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ACERCA DE

El Centro de Recursos de Asalto Sexual se complace en anunciar su primera exhibición anual de arte para sobrevivientes, Metamorfosis. Nos hemos asociado con el Consejo de las Artes en College Station para exhibir obras de arte que han sido donadas para sobrevivientes de agresión sexual.

 

El arte se venderá y las ganancias se entregarán al Departamento de Asesoramiento del Centro de Recursos de Asalto Sexual. Desde 1983, el Departamento de Asesoramiento ha ofrecido asesoramiento/consejeria gratis, individual y de grupo para los sobrevivientes y sus familias en los siete condados del Valle de Brazos. Nos honra proporcionar un lugar de curación para los sobrevivientes.

Este evento fue creado para que la comunidad para ver la fuerza y ​​el talento de los sobrevivientes. Aunque vemos la oscura realidad de la agresión sexual en los medios de comunicación, los sobrevivientes son individuos increíbles que merecen ser admirados por ser valientes.

Artistas

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Hollan Holmes es un paisajista, que estudió dibujo y pintura bajo la tutela de Richard Hlad y el profesor Arnold Leondar en Tarrant Co. Jr. College. Tiene más de 35 años de experiencia en diseño gráfico, junto con 13 años como Artista de Superficies Senior en Reel FX Creative Studios, en Dallas, creando películas y comerciales para clientes como Sony, McDonalds, Pepsi, Dreamworks, Hasbro, Mattel y muchos más. . Desde 2016, Holmes ha vivido en el área de Dallas, Texas, y es pintor paisajista a tiempo completo. Para obtener más información sobre el Sr. Holmes y comprar su arte, visite su página de Facebook, Hollan Holmes Art.

Dana James (b. 1986) es una pintora y nativa de Nueva York que ahora reside en Bushwick, Brooklyn. Se graduó de la Escuela de Artes Visuales en 2008. Es reprimida por Hollis Taggart Contemporary en Chelsea, NY. Su trabajo ha sido objeto de presentaciones individuales en Lodge Gallery (Nueva York), Urban Gallery (Filadelfia) y Union Gallery (Nueva York) entre varios otros, y ha sido incluido en exposiciones en espacios y ferias de arte en los Estados Unidos. Su trabajo se puede encontrar en colecciones privadas y públicas, incluido el Museo de Arte ISLIP y SIA en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, y en artículos como publicaciones como Hiperallergic, Art Forum y Art Critical.

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Taylor Bailey Douglass es una pintora y diseñadora expresionista abstracta que se especializa en arte y muebles de resina, nació en Houston, Texas. El trabajo de Douglass crea resúmenes de medios mixtos cargados espiritual y ambientalmente de colores fríos y relajantes, explora la introspección y el camino hacia la iluminación a través de la expresión, alentando al espectador a reflexionar y mirar hacia adentro para ser una fuerza positiva en el mundo. Douglass se inspira en elementos, colores y energías en el mundo natural y en cómo cambian la forma en que nos sentimos y reaccionamos. Su esperanza es que su trabajo colorido transfiera frecuencias terapéuticas, dando a conocer el papel de su ser interno y la conciencia humana, en lo que respecta a vivir en armonía en la tierra con todos los seres vivos.

Como artista y educador interdisciplinario, Brooke Hood ha aparecido en organizaciones como San Antonio Artist Collective, Annex Coworking y Charity Bar. Tiene una licenciatura en diseño de interiores, que influye en muchos de sus diseños artísticos. Ella es una ex maestra de secundaria, especializada en arquitectura, así como artista residente en la Escuela de Artes Escénicas de San Antonio, y expone con frecuencia en Southtown Art Galley.

 

Para obtener información sobre Brooke y su trabajo, visite: https://www.etsy.com/shop/STINEHOODARTSTUDIO?ref=seller-platform-mcnav

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Gretchen Warsen y sus dos hermanos menores crecieron en una antigua granja al final de un camino de tierra en Maine, donde el clima en constante cambio y el paisaje crudo eran perfectos para observar y explorar. Era fácil ser un niño creativo en ese entorno, ya que su familia fomentaba todas las formas de expresión artística. Gretchen comenzó sus estudios de música en el Bates College, pero hizo la transición al Departamento de Artes de la Tyler School of Art de Roma. Cuando nació su hija, Gretchen se convirtió en madre a tiempo completo y desde entonces ha vuelto a pintar después de diez años. Ahora tiene un estudio desordenado pero activo en la trastienda de su casa en Westford, Massachusetts. Su comprensivo esposo, dos brillantes chicas adolescentes, un nervioso perro de montaña de Bernese y dos gatitos salvajes hacen todo lo posible para "dejar a mamá sola en su estudio o de lo contrario se pondrá gruñona".

 

Para obtener más información sobre Gretchen y ver su trabajo, visite:

https://www.artworkarchive.com/profile/gretchen-warsen

Chris Turner es un pintor que vive en el campo a las afueras de Houston, Texas. Mejor conocido por usar colores y capas de pintura para crear abstractos y paisajes expresionistas, trabaja principalmente en acrílico y técnicas mixtas sobre lienzo y papel. Su método de pintura principal generalmente emplea una mezcla de pinceles, cartulina, cuchillos de paleta, tiras de madera y otros implementos al azar en la aplicación de pintura. En este proceso, también agrega ocasionalmente grafito, lápiz de color, carbón, tiza y pastel de aceite para amplificar el color, la textura y el interés visual.

 

A través del vocabulario de color, composición y textura, su objetivo es crear arte que genere una conexión emocional y espiritual con el espectador.

 

Su arte está motivado por la creencia de que el arte nos habla a cada uno de nosotros a pesar de las barreras que a menudo nos separan, y que el arte tiene el poder de traer esperanza y transformación. Independientemente de nuestras diferencias, todos compartimos los mismos deseos humanos básicos comunes de amor, importancia y redención. Esta creencia alimenta su impulso de buscar continuamente expresiones creativas que traigan a la superficie las cualidades humanas esenciales que todos poseemos en común.

 

Está representado por Beaudry Gallery en Dallas y Jack Rabbit Gallery en Houston. Su trabajo también se puede ver aquí en www.christurnerartist.com y en Instagram @christurnerartist

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Neena Buxani es una artista indio-estadounidense que se crió en la frontera de México en Brownsville, Texas. Actualmente reside en Austin, Texas, con su esposo y sus dos hijos. Las pinturas de Neena han sido elegidas para formar parte de numerosos espectáculos, galerías y lugares. Sus obras han sido compradas por coleccionistas privados de todo el mundo.

Actualmente, Neena está trabajando con dos estilos de pintura. El primer estilo utiliza tinta de alcohol para crear piedras preciosas abstractas de mediana a gran escala, que ha titulado su "Colección de Joyas". Al crecer en una familia de joyeros, Neena siempre estuvo rodeada de hermosas gemas y cristales. Su amor por las piedras preciosas la llevó a adquirir una Certificación de Gemología del Instituto Gemológico de América. La magia traída al mundo por las gemas la ha inspirado a celebrarlas mediante el uso de colores llamativos y texturas atractivas.

El segundo estilo de Neena Buxani es más representativo. Ella usa colores que a menudo se encuentran en su "Colección de Joyas" para crear flores y diosas a gran escala. Ella tiene un fuerte deseo de extraer la positividad que irradia de las flores y las diosas y transferirla a la lona. Ella selecciona cuidadosamente un esquema de color, patrón y composición para cada pintura que cree que mostrará las poderosas emociones que quiere que refleje la pintura. Pasar de un estilo a otro en un día determinado, le permite la satisfacción de ejercitar diferentes partes de su cerebro, dejando su contenido por derecho propio.

Jacquelyne Dennis es una profesional activa de bellas artes en el área de Austin, TX. Ella ha estado pintando desde 2015 y ha recibido con éxito su BFA en Studio Art (Concentración en pintura) de la Universidad Estatal de Texas en San Marcos, TX en 2019. Su misión es contar una narración personal a través de su trabajo representando personas y lugares que tienen moldeó su identidad y también utiliza el realismo para mostrar la cultura moderna de Texas combinando elementos de la vida en el campo en la ciudad contemporánea moderna. Ella creció en diferentes ranchos en Texas y vio una versión interesante de la vida en el rancho, mezclada con una forma de vida moderna. Sus padres adoptaron un estilo de vida tradicional occidental criando y entrenando caballos, carreras de barriles y danzas campestres, pero la expusieron a ideas modernas y salidas creativas como el arte, la música, la danza y el teatro. Esto la llevó a tener un profundo aprecio por el arte contemporáneo y la cultura occidental. El acto de pintar como práctica terapéutica y exploración de sí mismo, la ayuda a comprender sus métodos de creatividad e identidad.

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Amber Favre es una pintora de Seattle que ahora vive y pinta en Katy, Texas. Se enfoca en grandes pinturas con textura inspiradas en imágenes de ensueño. Amber comenzó a pintar después de una experiencia cercana a la muerte que no solo la dejó incapaz de caminar durante varios meses, sino que también cambió por completo su perspectiva de la vida. "Vi cuán conectado está nuestro mundo interno con nuestra realidad externa y sentí una profunda necesidad de crear pinturas que crearan un" sentimiento "de almeja pero inspirador, algo que creo que todos podemos usar más en nuestras vidas agitadas. Dicen que la mente responde a la terapia del color (y las imágenes visuales) de manera medible, y lo tomé muy en serio ". Amber fue a la escuela para comprender cómo respondía el cerebro a las imágenes visuales y obtuvo una licenciatura de la Universidad de Washington en Comunicaciones Visuales. Fuera de la escuela, pintaba y pintaba con la esperanza de poder crear el "sentimiento" correcto y tal vez eso la ayudaría a sentirse mejor. Amber finalmente se recuperó de sus heridas, pero terminó con tantas pinturas que las donó a Charity Auctions donde sorprendentemente obtuvieron un buen precio. Así es como comenzó en el "mundo del arte" y ahora pinta sin parar con un enfoque en el color, la textura y el estado de ánimo con la esperanza de que las imágenes visuales puedan tener un impacto positivo en nuestro bienestar.

Agnieszka Sowa nació y creció en el sur de Polonia en un pequeño pueblo rodeado de montañas. La belleza de su entorno aumentó mi sensibilidad a los colores, formas, patrones y figuras. Ella siempre estaba buscando una extensión y una representación del mundo natural y convertirlo en algo creativo visual. Angieszka estudió diseño en la escuela secundaria y diseñó ropa, atuendos y accesorios durante su tiempo libre. Una vez que se graduó, su curiosidad la llevó por un camino diferente, y se inscribió en un curso de pedagogía con el objetivo de ser una terapeuta capacitada. Sin embargo, durante sus años en la universidad, siempre estuvo activamente involucrada en todo tipo de eventos artísticos, principalmente poesía y exposiciones de arte. Después de su maestría, decidió aventurarse a Italia por un año, y desde entonces se mudó a Noruega. Escandinavia la inspiró y le enseñó a apreciar la belleza en su simplicidad. Se enamoró de su simplicidad y tranquilidad en la naturaleza noruega, el estilo de vida y la forma en que inspiró el diseño de sus hogares, el espacio de vida y trabajo, la ropa, etc. Angieszka es un verdadero creyente de que menos es siempre más y todo se trata de salud consumo y protección. Después de mudarse a los Estados Unidos hace 6 años, comenzó a redescubrir mis instintos y reflejos artísticos. Se dio cuenta de que había tantas emociones y energía en ella que debía compartir con el mundo y así fue como comenzó su pintura nocturna.

 

"Mi arte es mi expresión de cómo el yo interno se comunica con el mundo y la naturaleza. Uso mi imaginación para capturar creativamente estos mensajes en mis emociones. Creo que mi arte libera inhibiciones internas y externas. Me captura, lo que amo y lo que me hace feliz y satisfecho. Cada una de mis pinturas contiene una parte de mí, mi energía y fuerza, las emociones que había en mí en ese momento en particular. Mis pinturas son conversaciones entre mí y el público ".

 

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Amy Stone was born and raised in the suburbs of New York City. She has a BA in Fine Arts and Comparative Literature from the University of Colorado, and a Masters in Art Education from Hofstra University. Since relocating to Seattle in 2014 with her family, she has shifted her medium to painting with a focus on abstract expressionism and abstract women. A mom of two young boys, she draws inspiration from even the most mundane tasks in her daily life. Stone says that her work relates her work to the idea of Wabi-sabi; the quintessential Japanese aesthetic. It is a beauty of things imperfect, impermanent, and incomplete.  A beauty of things unconventional. This is often how her paintings are described.

 

Contact: amystoneart@gmail.com

Instagram: @amystoneart

www.amystoneart.com

Initially used as a tool for personal therapy and spiritual connectedness Austin’s process based work explores the intimate relationship between subject and viewer with layers, texture, and details. It’s a practice in staying present, while resolving abstract plays on color, composition, and texture.

In experimenting with this process, Austin compels the viewer to take a close look - to become intimate with the art, resembling our very own human nature and desire. To be fully seen and known.

Arielle works primarily with acrylic, oil paint, and paper to produce abstract works on canvas while expressing the emotional scape of our transitory existence. From layered oil paintings and vibrant abstraction, Austin believes the viewer can find a part of themselves in each piece.

In addition to refining her own practice, Arielle can also be found leading Abstract painting workshops in Austin, Texas.

For more information about Austin, please visit: 

https://www.arielle-austin.com/

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HG Adair is a young contemporary artist living in Houston, Tx. She focuses on digital and gouache illustrations that reflect and portray the current social environment. She is completing her Doctorate Degree at the University of Texas at Austin and will graduate in May of 2021. Creating artwork has always provided an escape for this artist, as her original career in the healthcare field had very little room for creative expression. She hopes to create artwork that can be felt and appreciated by all types of people. She creates images that uplift all voices, especially those that have been traditionally marginalized.

 

She is incredibly honored to be participating in the Metamorphosis art show, and hopes she can continue to contribute in upcoming years. The piece donated reflects how assault can strip a person down to their core, leaving them feeling hollow, but how beautiful they become once the trauma is overcome.

 

She can be found on instagram at hgadair.art.